Potsdamer Tanztage

Elle Sofe Sara, Regie
u.a.

Choreografien auf der Kinoleinwand: Festivalprolog
«Film: Originalsprache Sprache Sámi, OmeU»

Árru ist ein atemberaubendes filmisches Erlebnis, in dem das «Yoiken», ein traditioneller samischer Gesang, zu einem Klagelied gegen andauernde koloniale Mechanismen der Ausbeutung wird.

Elle Sofe Sara, die zuletzt 2025 mit ihrem Stück The Answer is Land bei den Potsdamer Tanztagen zu Gast war, ist eine Choreografin, die gekonnt Disziplinen wie Tanz, Gesang und filmische Bildsprache verschmelzen lässt.

Erika Zueneli & Tant’ Amati (Florenz/Brüssel):
Erika Zueneli, Konzept & Choreografie
Charly Simon, Benjamin Gisaro, Matteo Renouf, Louis Affergan & Charlotte Cétaire, Tanz
Olivier Renouf, künstlerische Mitarbeit & Szenografie
Sébastien Jacobs, Klangkreation & Live-Musik
Benoit Pele, Tonregie
Sylvie Mélis, Lichtgestaltung
Ladislas Rouge, Lichtregie
u.a.

Tanz & Performance - Deutschlandpremiere

«Le Margherite» knüpft genau an diesen verspielten Zufall an und zeigt zwischen Verkleidungen und Verwandlungen eine einfühlsame Ode an das Vergängliche.

Dabei steht die Erfahrung des Zufalls als Quelle von Freude und Spaß an erster Stelle. Fünf TänzerInnen begleitet von einem Musiker entfalten auf sprachlicher, musikalischer und körperlicher Ebene ein Feuerwerk bewegter Ideen und choreografischer Spiele, aus denen sie immer wieder verschwinden, um in überraschenden Formen erneut aufzutauchen. Zufall wird zu Intensität und vor den Augen des Publikums entwickelt sich eine Poesie des schöpferischen Augenblicks – ein Versuch, die Endlichkeit zu überlisten.

Anschließend am Mi 27. Mai: Publikumsgespräch

Chevalier-Masson, Bühnenbild
Bert Van Dijck, Licht
Bart Celis & If Sound Matters, Ton & Gitarre
Tanzgruppe «Platform K» (Brüssel/Gent):
Anna Dujardin, Anthony Quintard & Oskar Stalpaert, Tanz, Recherche & Kreation
Tanzgruppe «ZOO» (Brüssel/Gent):
Thomas Hauert, Tanz, Kostüme, Konzept und Regie
Sarah Ludi, Samantha van Wissen & Mat Voorter, Tanz, Kostüme, Recherche & Kreation
u.a.

Tanz & Performance - Deutschlandpremiere mit Musik:
– Maurice Ravel: Klavierkonzert in G-Dur, M. 83
– Salvatore Sciarrino: Sui poemi concentrici II – Jonny Greenwood: Mata Aini Kuru kara Ne
– Aigel: Tatarin – Vienna Brass: lles Walzer «3. Satz» – Ray Charles: It Ain’t Easy Being Green
– The Communards: Lovers and friends – Hildegard Knef: Für mich soll’s rote Rosen regnen
– Patti Page: Tennessee Waltz – Peggy Lee: Is That All There Is? – George Michael: Freedom!

Für seine jüngste Kreation erweitert Thomas Hauert sein Ensemble um TänzerInnen einer inklusiven belgischen Tanzgruppe für eine außergewöhnliche Begegnung. ZOO und Platform K: zwei Kompanien mit unterschiedlichen Hintergründen und Abilities teilen die Bühne. Where is everybody? Nimmt den Blick von Menschen mit und ohne Behinderung zum Ausgangspunkt und verbindet körperliche Präsenz und unmittelbare Interaktion mit der emotionalen Kraft der Musik und der Komplexität der Tanzimprovisation.

Anschließend: Publikumsgespräch

Greta-Marie Becker, Regie
u.a.

Choreografien auf der Kinoleinwand
Film: Originalsprache: Englisch, Fon, Französisch, Wolof

Germaine Acogny - Die Essenz des Tanzes ist ein Dokumentarfilm, der das Werk der einzigartigen Choreografin Germaine Acogny porträtiert. Acogny erhielt neben anderen Auszeichnungen 2021 den Goldenen Löwen der Biennale in Venedig für ihr Lebenswerk. Unter der Regie von Greta-Marie Becker ermöglicht der Film einen Einblick in das reiche künstlerische Schaffen der Choreografin, die als eine der wichtigsten Stimmen des zeitgenössischen afrikanischen Tanzes gilt und diesen maßgeblich inspirierte.

Lena Stoehrfaktor, Rap

Konzert: Hip-Hop

Authentizität, Hartnäckigkeit und Haltung zeigen sind für Lena Stoehrfaktor mehr als nur Floskeln – sie sind das Credo einer unermüdlichen Künstlerin, die sich seit Beginn der 2000er Jahre für den Berliner Untergrund stark macht. Die Musikerin mit Liebe zum Oldschool-Rap weiß genau, worauf es ankommt: Auf der einen Seite betrachtet sie fein analytisch gesellschaftliche Missstände, statt sie unter den Teppich zu kehren, auf der anderen Seite wiederum verteilt sie frei Schnauze eine Punchline nach der anderen. Lena Stoehrfaktor geht nicht nur durch die Berliner Straßen – sie kratzt förmlich an ihrer Oberfläche, um den Dreck sichtbar zu machen.

Eintritt frei. Solidarischer Kulturbeitrag willkommen.

Kurkapelle Sonnendeck:
Jannicke Hagen, Trompete & Effekt-Loop
Hannes Kempa, Saxophone & Effekt-Loop
Janne Nicolas, Synthesizer & Effekt-Loop
Leonhard Endruweit, Bass, Synthesizer & Effekt-Loop
Heinrich Eiszmann, Schlagzeug

Konzert: Dance, Electronic, Jazz

Zwischen pumpenden Beats und handgemachtem Klangrausch entsteht ein Sound, der sowohl zum Träumen einlädt als auch den Körper in Bewegung zwingt. Hier verschmelzen elektronische Elemente mit echten Instrumenten: Synthesizer, Drums, Bass, Saxophon und Trompete formen gemeinsam eine organische Welle aus Rhythmus, Wärme und Melancholie. Ein Aufguss aus Deephouse, Techno und Minimal – handgemacht, schweißtreibend. Also: Pantoffeln an, Alltag aus, Augen zu. Die Kurkapelle Sonnendeck bittet zum Tanz.

Eintritt frei. Solidarischer Kulturbeitrag willkommen.

PARTS + LABOUR (Montréal):
Emily Gualtieri & David Albert-Toth, Konzept, Erstellung & künstlerische Leitung
Brianna Lombardo, Maïka Giasson, Jossua Satinée, Lou-Anne Rousseau & Frédérique Rodier, Tanz & Choreografie
Jo Laïny Trozzo-Mounet, Ersatztanz
Paul Chambers, Lichtdesign
Jonathan Saucier, Kostüm- und Bühnenbild
Frannie Holder, Komposition
u.a.

Tanz & Performance - Deutschlandpremiere

Fünf Tänzerinnen bewegen sich in enger Formation, dem Publikum direkt zugewandt. Entlang der Wände beschreiben sie ein großes Quadrat, während sich ihre synchronen Schritte mit schneller werdenden elektronischen Beats verdichten. Mit der allmählichen Beschleunigung legen sie Schicht für Schicht Kleidung ab – Sichtbarkeit wird zum Statement. In LABOUR wird Wiederholung zur politischen Geste: Die Ausdauer der Körper verweist auf die unsichtbare, permanente Arbeit, die Frauen gesellschaftlich zugeschrieben wird – physisch, emotional, strukturell.

Das Stück ist frontal und kompromisslos und lebt von der enormen Energie und Ausdruckskraft der ProtagonistInnen. Stärke und Verletzlichkeit erscheinen nicht als Gegensätze, sondern als sich bedingende Realitäten der Existenz. Der steigende Rhythmus erzeugt Dringlichkeit – als Antwort auf Systeme, die Körper kontrollieren und Autonomie beschneiden. Ob als Widerstand, Protest oder kollektive Wiederaneignung – LABOUR hebt die kollektive Kraft hervor, die entsteht, wenn Frauen gemeinsam Raum, Sichtbarkeit und Handlungsmacht einfordern.

Anschließend am Fr 29. Mai: Publikumsgespräch

Galaxaura, DJ & Techno

Konzert: Breakbeats, Elektro, Progressive House

Galaxaura zeichnet sich durch kraftvolle Kicks und schnelle Breaks aus, gepaart mit einer starken Affinität zu Bassmusik, mit denen die Grenzen des Elektro erweitert und verwischt werden. Die DJ-Sets folgen oft einer intergalaktischen Erzählung, die sich durch Breakbeats, Elektro und Progressive House bewegt. Glitzernde Synthesizer, Bass-Punches, stolpernde Drums und bedrohliche Layers prägen eine Auswahl, die vor versteckten Juwelen nur so strotzt – gleichermaßen geeignet für Dancefloors zum Höhepunkt der Party sowie für introspektive Hörmomente.

Eintritt frei. Solidarischer Kulturbeitrag willkommen.

Adi Boutrous (Tel Aviv), Choreografie & Soundtrack-Gestaltung
Ido Barak, Neshama Bazer, Naomi Ben David, Adi Boutrous & Uri Dicker, Tanz
Ofer Laufer, Lichtgestaltung
Yael Venezia, Dramaturgie
Stav Struz Boutrous, Kostüme & Tanz
Asaf Ashkenazy, Technische Leitung & Toningenieur
u.a.

Tanz & Performance - Deutschlandpremiere

In Nature of a Fall stellt Adi Boutrous den tiefsten Widerspruch des Menschseins in den Mittelpunkt: den Sog der Zerstörung und zugleich die Sehnsucht nach gemeinsamer Harmonie. Sechs TänzerInnen durchlaufen Zyklen von Aufstieg und Zusammenbruch. Sie erklimmen einander wie fragile Konstruktionen, nur um wieder zu fallen – werden geschleudert, getragen, widersetzen sich. Ist Erneuerung nur durch Zerstörung möglich, indem alte Wahrnehmungen aufgegeben werden, damit neue entstehen können?

Getrieben von großer körperlicher Energie kehrt das Stück immer wieder zu seinem Ausgangspunkt zurück. In gemeinsamer Bewegung spiegeln sich zeitgenössische Katastrophen und kollektive Traumata ebenso wie Gesten von Solidarität und Unterstützung. Zwischen Scheitern, Widerstand und gemeinsamer Gestaltung fragt Nature of a Fall nach Fähigkeit der Menschen, einander zu sehen, zuzuhören – und zu hoffen.

Anschließend an beiden Tagen: Publikumsgespräch

Manuel Roque (Montréal), Soundtrack, Choreografie & Darstellung
Nils Levazeux, Ersatzdarstellung
Marilène Bastien, Kostüme
Karine Gauthier, Licht
Pablo Geeraert, Mix und Soundberatung
u.a.

Tanz / Performance: Hommage an die Kräfte der Natur

Für Manuel Roque ist der Körper das grundlegende Instrument der Welterfahrung. Nach bang bang aus dem Jahr 2018, kehrt Manuel Roque mit einem reduzierten und genauso körperlichen Solo nach Potsdam zurück. In ständiger Bewegung präsentiert er Tanz auch als sinnliche Arbeit zwischen Widerstand und Hingabe an die Kräfte, die ihn in Bewegung versetzen.

Zu einer hypnotischen Klangspur wirbelt der Körper umher und versucht, sich in einem nackten Raum zu verankern. Er verliert und findet seine Bezugspunkte, gerät ins Schwanken in realen so wie imaginierten Strömungen auf der Suche nach neuen Stützpunkten. Das Stück nimmt Bezug auf die gegenwärtigen Böen, die die Gewissheit erschüttern, auf der Suche nach einem befreienden Momentum. Zugleich entfaltet es sich als Hommage an die Kräfte der Natur – unkontrollierbar und berauschend, sofern man lernt, ihnen zu folgen und sie in der Unmittelbarkeit der Sinne zu erleben.

Dominique Tegho (Berlin/Beirut), Konzept & Choreografie & Performance
Anthony Nakhlé & Hassandra, Performance & Choreografie
Basel Naouri, Musik
Vito Walter, Lichtdesign
Mathilda Rejouan & Mounia Studios, Kostüme
u.a.

Performance: in einen Dialog mit zeitgenössischem Bewegungsvokabular

Körper umkreisen einander. Eine singende Stimme erfüllt den Raum. Schritte hallen auf dem Boden wider. Körper und Atem verschmelzen in einer kollektiven Entspannung. Mit Fokus auf Form und Rhythmus dekonstruiert Dominique Tegho in the intimacy of collision «nahöstliche» Volkstänze.

Die Performance wendet sich den vielen Variationen des Tanzes der sieben Schleier zu, einem orientalistischen Spektakel, das sich Oscar Wilde erstmals 1893 im Theaterstück Salome zu eigen machte. Mit Reibung, Kollision und Begegnung hinterfragt Dominique Tegho den Orientalismus, der die Wahrnehmung von Körpern in mehr als einem Jahrhundert westlicher Vorstellungskraft geprägt hat.

Anschließend am Di 02. Jun: Publikumsgespräch

Adi Weinberg, Konzept, Kostüme, Choreografie & Tanz
Liwia Bargieł-Kiełbowicz, mitwirkender Tanz & Kostüme
Sébastien Beliah, Musik
Cat Gerrard, Dramaturgie
u.a.

Tanz & Performance - Deutschlandpremiere

Undercurrents ist eine choreografische Spurensuche nach dem, was unter der Oberfläche wirkt: Erinnerung als leise Strömung, als geerbte Bewegung, als eingeschriebene Geschichte im Körper. Vergangenheit und Gegenwart überlagern sich, treten in Dialog, widersprechen und stützen einander.

Zwei Tänzerinnen und ein Kontrabassist verleihen verlorenen, verdrängten oder fragmentierten Erinnerungen eine physische Form. Vergrabene und vergessene Geschichten kommen langsam wieder zum Vorschein. Bruchstücke ordnen sich neu. Was lange unausgesprochen blieb, wird neu in Bewegung übersetzt. Ein Stoff wird dabei zum verbindenden Element, als Haut, Grenze, Schutz und Resonanzraum zugleich. Er erinnert an das, was uns trennt, und an das, was uns trägt. So entsteht eine intime Brücke: ein Tanz über Erinnerung, über Verbindung und Verwandlung, über Identität.

Undercurrents wurde vom SZIH und dem POLIN-Museum in Warschau in Auftrag gegeben: eine Kreation, die als Position auf die Ausstellung 1945. Nicht das Ende, nicht der Anfang entstand und im Sep 2025 im Museum uraufgeführt wurde.

Anschließend am Mi 03. Jun: Publikumsgespräch

Gunilla Heilborn (Stockholm), Konzept, Text & Regie
Ludvig Daae, Kristiina Viiala & Sophie Augot, Performance
Kim Hiorthøy, Musik & Lieder
Katarina Wiklund, Bühne & Kostüm
Johan Sundén, Lichtdesign
Jonas Holst, Tontechnik
u.a.

Tanz & Performance - Deutschlandpremiere

In DANTE begegnen sich drei verlorene Seelen auf einer nebeligen Irrfahrt aus Liedern, Textfragmenten und zurückhaltendem Tanz. Nach 37 hours and 3 minutes und Merkurius setzt Gunilla Heilborn ihre Arbeit über Zeit, Zweifel und das Ungewisse fort – in ihrem unverwechselbaren Stil aus trockenem Humor und zarter Poesie.

Ausgangspunkt ist eine erfolglose Reise Heilborns nach Florenz. Auf der Suche nach Dante – und einer längst vergangenen Epoche – verirrt sie sich zwischen Touristengruppen in den engen Gassen der Stadt. «Manche Menschen wollen einfach nicht, dass das Mittelalter endet.» Vergangenheit und Gegenwart überlagern sich in einer unkonventionellen Lesart von Dantes ewigen Fragen. Gunilla Heilborn schafft ihre ganz eigene Divina Commedia: Antworten gibt es keine, dafür umso mehr Fragen. Sie verspricht aber: Wie alle Komödien beginnt DANTE mies – und endet gut ...

Anschließend am Do 04. Jun: Publikumsgespräch

Silvia Gribaudi, Konzept, Regie & Choreografie
Marta Olivieri, Martina La Ragione, Sara Sguotti, Susannah Iheme & Vittoria Caneva, Performance & Darstellung
Matteo Franceschini, Musik
Luca Serafini, Lichtdesign
Ettore Lombardi, Styling
u.a.

Tanz & Performance - Deutschlandpremiere

In AMAZZONI greift Silvia Gribaudi den antiken griechischen Mythos der Amazonen auf – jene sagenhaften Kriegerinnen, die als Bedrohung der patriarchalen Ordnung bekannt sind. Daraus entwickelt wurde ein Stück über Körper, Macht und Gemeinschaft, das Kraft und Humor bewusst miteinander verschränkt.

Silvia Gribaudi zählt zu den profiliertesten Choreografinnen Italiens und ist für ihre präzise humorvolle Arbeit bekannt. Durch Überzeichnung, Brüche und Selbstironie legt sie gesellschaftliche Zuschreibungen offen und öffnet neue Perspektiven. In AMAZZONI bewegen sich fünf Performerinnen zwischen Stärke und Verletzlichkeit und entziehen sich klaren Rollenbildern. Nach ihrem Stück R. OSA in der fabrik Potsdam im März 2026 kehrt Gribaudi mit einer Arbeit zurück, die neue Perspektiven auf Geschichte, Geschlecht und gesellschaftliche Ordnung eröffnet.

Anschließend am Mi 03. Jun: Publikumsgespräch

MADANII, Gesang

Konzert: Avant-Pop, Alternative R&B, Trap

MADANII ist eine Genre-Rebellin, die Grenzen verwischt. Tief in der persischen Kultur verwurzelt und geprägt von ihrer Kindheit als Tochter politischer Geflüchteter in Deutschland, verwebt sie Rhythmen, Sprachen, Politik, Formen und Klänge zu einem neuartigen musikalischen und visuellem Mosaik. In ihrer Musik erzählt MADANII ihre Geschichte des Andersseins, des Nicht-Dazugehörens und der Zerrissenheit zwischen Kulturen. Generationenübergreifende Träume, politische Absurditäten und queere Liebe – all das spiegelt sich in ihrem einzigartigen Stil wider, der Einflüsse aus Avant-Pop, Alternative R&B und Trap vereint.

Eintritt frei. Solidarischer Kulturbeitrag willkommen.

Viktor Černický, Konzept & Performance
Valentin Verdure, Marek Menšík & Lukas Blaha Bliss, Performance
Joan Catalá, künstlerische Beratung
Petra Hanzlíková & ZDRUHESTRANY, Produktion
Jatka78 & CIRQUEON – Zentrum für zeitgenössischen Zirkus, Koproduktion
u.a.

Schulaufführung: Tanz / Akrobatik

Reifen unterschiedlicher Größe liegen über die Bühne verstreut. Nach und nach betreten vier Performer den Raum, jeder mit dem Versuch, nach eigenen Vorstellungen Ordnung herzustellen. Ihre Ansätze kollidieren, Konstruktionen stürzen ein und fünfhundert Kilogramm Gummi werden zugleich Hindernis und Partner. Inspiriert vom Konzept der Antifragilität des Philosophen Nassim Nicholas Taleb untersucht PNEU, wie Körper auf Druck reagieren.

Hebend, rollend, balancierend bewegen sich die Körper an der Grenze zwischen zeitgenössischem Tanz und Zirkus. Allmählich weicht die Spannung einer gemeinsamen Dynamik und aus Unordnung entsteht ein fließendes Spiel aus Kraft, Präzision und Synchronität. Anstrengung und Widerstand sind hier nicht nur Belastung, sondern Motor der Entwicklung. Aus Reibung wächst Verbindung, aus Instabilität Kooperation. Zwischen Erschöpfung und Leichtigkeit entsteht ein choreografischer Dialog, der fragt, ob Wachstum nicht trotz, sondern gerade durch Druck möglich wird.

Anschließend am Fr 05. Jun: Publikumsgespräch
Am Fr 05. Jun, 11.00: Schulaufführung

Eintritt frei. Solidarischer Kulturbeitrag willkommen.

Leïla Ka (Saint-Nazaire), Choreografie & Kostüme

Drei Tanzstücke von Leïla Ka

Leïla Ka ist ein aufstrebender Stern der jungen französischen Tanzszene. Ihre Stücke wurden international bereits mehr als 300-mal aufgeführt und machen sie zu einer der erfolgreichsten französischen ChoreografInnen ihrer Generation. Ihre Karriere nahm ihren Anfang als Tänzerin in May B. von Maguy Marin, bevor sie eigene Arbeiten entwickelte. Mit Petites Pièces präsentiert Leïla Ka drei Kurzstücke, die für ihre unverwechselbare Energie und den Bruch von Frauen mit gesellschaftlichen Normen stehen.

Poder Ser

Mariana Faria, Tanz
Laurent Fallot, Licht

In dem Solo Pode Ser durchquert eine Tänzerin eine innere Landschaft aus Spannungen und Widersprüchen. Zwischen rohen Gesten und plötzlichen Bewegungsimpulsen erkundet das Stück die Schwierigkeit, ganz bei sich selbst zu sein.

You’re the One We Love

Inès Lopez & Salomé Moro, Tanz
Laurent Fallot, Licht

In You’re the One We Love bewegen sich zwei Figuren gemeinsam durch Stürze, Aufbrüche und Widerstände. Fragil und zugleich kraftvoll feiern sie jene beharrliche Energie, die uns aufrecht hält.

Bouffées

Justine Agator, Adèle Bonduelle, Mariana Faria, Inès Lopez, Flore Ruiz-Moiret, Salomé Moro, Sara Tan & Anna Tierney, Tanz
Leila Ka, Licht

In Bouffées stehen fünf Frauen dem Publikum gegenüber, die Wangen von Tränen benetzt. Trauer macht sich breit, verwandelt sich und wird zu kollektiver Stärke transformiert.

Band «Lohrge»

Konzert: Bittersweet bubblegrunge-punk

Bittersüßer Bubblegrunge-Punk, ähnlich wie bei einem Aperol Spritz, bei dem es die Tresenkraft ein wenig zu gut mit euch gemeint hat. Noch ein Schuss Postpunk und fertig ist der angenehme Mini-Schwips zur Mittagszeit. Newcomer, die längst zu Stammgästen in den Dresdner Szene-Lokalitäten geworden sind!

Eintritt frei. Solidarsischer Kulurbeitrag willkommen.

Syndrolin, DJ

Konzert: Techno & House

Angefangen hat Syndrolin klassisch an den Turntables – mit Vinyl und viel Neugier. Aus ersten Sets entstand schnell eine Leidenschaft, die sie von Streams im Lockdown zu lokalen Partys, Open Airs und schließlich auf die Club- und Festivalbühnen führte. In ihren Sets vereint sie düstere, melodische Klänge mit dubby Elementen und schafft so eine tiefgehende, mystische Atmosphäre. Neben ihren treibenden Technosets spielt sie auch gerne groovigen House, am liebsten auf Vinyl.

Eintritt frei. Solidarischer Kulturbeitrag willkommen.

Mackenzy Bergile, Choreografie, Dramaturgy, Text, Performance & Kostüm
Inès Mauricio, künstlerische Mitarbeit
Eduardo Abdala, Lichtdesign
u.a.

Tanz & Performance: Unbolting Colonial Statues from Our Consciousness

Zugleich Choreograf, Musiker, Dichter und Forscher ist Mackenzy Bergile ein interdisziplinärer franco-haitianischer Künstler. In Autothérapie begibt er sich in eine körperliche Spurensuche zwischen Erinnerung und Gegenwart. In fragmentarischen «Sitzungen» entfaltet sich ein intensiver Dialog mit Geschichte und Identität: Was im Körper gespeichert ist, beginnt zu sprechen.

Ausgehend vom haitianischen Spiralismus – einer poetischen und politischen Philosophie, die Geschichte als zyklisch und polyphon begreift – entwirft Mackenzy Bergile eine Geografie von Erinnerungen, Traumata und kulturellen Referenzen, die sich über drei Kontinente erstrecken: von der gewaltsamen Verschleppung von rund 12 Millionen AfrikanerInnen über die haitianische Revolution und die Jim-Crow-Gesetze in den USA bis ins heutige Europa. Der Körper wird zum Archiv – und zum Ausgangspunkt einer behutsamen Neuverortung.

Mit französischen/englischen Texten und englischer Übertitelung
Anschließend: Publikumsgespräch

TEll A ViSiON, Komposition, Gitarre & Gesang

Konzert: Pulsating euro-american art-pop

TEll A ViSiON ist eine in Berlin ansässige Songwriterin, Produzentin und Komponistin, deren genreübergreifender Post-Pop sich zu einer unverwechselbaren und kraftvollen Signatur entwickelt hat. Von KritikerInnen der deutschen Popkultur als «einer unserer aufregendsten klanglichen Innovatorinnen» gefeiert, vereint sie bluesige Gitarren, raue, manchmal dubige Beats, kreisende Synthesizer, Sample-Ästhetik und rohe, direkte Texte zu Songs, die visuell und kompromisslos sind.

Eintritt frei. Solodarischer Kulturbeitrag willkommen.

Alfredo Zinola und Salome D’Attilia, Tanz
Yoav Admoni, Bühne
Clara Pazzini, Musik
Maxwell McCarthy, Dramaturgie
Marek Lamprech, Licht
u.a.

Tanz für Junges Publikum (3+)

Zwei PerformerInnen bewegen sich zwischen geheimnisvollen Objekten, die an Steine und Fragmente einer Landschaft erinnern. Umgeben vom Publikum beginnt sich dieses seltsame Terrain langsam zu verändern. In «THINGS at the End of the World» entwirft Alfredo Zinola einen poetischen Spielraum zwischen Tanz, Objekt-Theater und Fantasie.

Steine werden verschoben, Abstand entsteht und löst sich wieder auf, während unerwartete Elemente auftauchen – ein unruhiger, erdähnlicher Ball, schimmernder Schleim und kleine Steine, die sich scheinbar von selbst bewegen. Mit zartem Humor und Neugier lädt das Stück Kinder und Erwachsene dazu ein, die lebendige Präsenz der Dinge neu zu entdecken – und sich dem Geheimnis der Natur mit Staunen und Aufmerksamkeit zu nähern.

Mitglieder der Kammerakademie Potsdam

Konzert für Kinder von 3–7: KAPellina entdeckt Musik aus aller Welt.

KAPellina entdeckt Zauberschuhe, mit denen sie die Noten der Musiker und Musikerinnen verzaubern und die Rhythmen durcheinanderwirbeln kann. Wie bei einem Jukebox-Automaten spielt eine Tanzkapelle plötzlich verschiedene Beats: eine Polka, einen Walzer, einen argentinischen Tango, einen arabischen Dabke und rumänische Volkstänze…

Die Zauberschuhe wirken aber nur, wenn alle mittanzen – hoffentlich geraten dabei nicht die Noten durcheinander?

Gemeinsam mit KAPellina tauchen die Musiker und Musikerinnen mit dem Publikum in vielen Mitmachaktionen spielerisch in die Welt der klassischen Musik ein.

Yotam Peled & Nitzan Moshe, Choreografie & Performance
Robert Prideaux, Lichtdesign
Maryna Ianina, Kostüme & Bühnenbild
Valentin Braun, Dokumentation und Fotos
Ari Teperberg, dramaturgische Unterstützung

Tanz / Performance

Wie verabschiedet man sich von der Heimat? Wie trägt man Erinnerungen weiter, ohne von ihnen überwältigt zu werden? One Strike Salvation ist ein intensives Duett, das diese Fragen körperlich erfahrbar macht – durch Bewegung, Rhythmus und rituelle Gesten.

Steine, Lieder, Fahnen und Tanz – Yotam Peled und Moshe Nitzan gleiten zwischen Vergangenheit und Gegenwart, zwischen persönlichen Erinnerungen und kollektiver Geschichte. Sie greifen Traditionen von Gedenkfeiern und Unabhängigkeitszeremonien auf – und lösen diese Schicht für Schicht auf.

Anschließend: Publikumsgespräch

Laura Gary, Choreografie & Performance
Nicolas Schulze, Livemusik
Jan Wanzelius, Musikkomposition

Tanz & Performance

Welche Erinnerungen wohnen in unserem Körper? Welche Gesten wandern durch Generationen? Und was geschieht, wenn uns jemand Unerwartetes begegnet? The Cornerstone führt Laura Gary durch eine skulpturale Installation – einem Pfad aus Licht, metallisch glänzenden Wirbelsäulen, Wolle, Stoff und Alltagsmaterialien entlang. Bewegung wird hier zum Ritual, zur Spurensuche.

Der Körper tastet sich voran, langsam, lauschend. Jede Geste trägt Geschichte – familiäre Echos und persönliche Erinnerungen. In der Mitte des Weges erscheint die Musik. Für einen flüchtigen Moment begegnen sich Klang und Körper – spontan, zerbrechlich, offen. Danach geht die Reise weiter, verändert. Diese Performance lädt ein, sich zu fragen: Worauf bewegen wir uns wirklich zu – auf das Loslassen, das Ankommen oder den Weg selbst?

Anschließend: Publikumsgespräch

DJ Syndrolin

Konzert: Techno & House

Angefangen hat Syndrolin klassisch an den Turntables – mit Vinyl und viel Neugier. Aus ersten Sets entstand schnell eine Leidenschaft, die sie von Streams im Lockdown zu lokalen Partys, Open Airs und schließlich auf Club- und Festivalbühnen führte. In ihren Sets vereint sie düstere, melodische Klänge mit dubby Elementen und schafft so eine tiefgehende, mystische Atmosphäre. Neben ihren treibenden Technosets spielt sie auch gerne groovigen House, am liebsten auf Vinyl.

In ihrer Freizeit widmet sich DJ Syndrolin einer weiteren kreativen Leidenschaft: der Fotografie. Ihre Werke sind derzeit im Kunstraum/Washhaus ausgestellt.

Eintritt frei

Vanitasparade

Werke von Max Grote

Die großformatigen Werke von Max Grote verbinden altmeisterliche Handschrift mit moderner Perspektive: dunkle, dramatische Szenerien, Pferdefiguren, Porträts und Selbstporträts sowie Ganzkörperstudien. Bildwelten variieren von Serie zu Serie, bleiben aber eindeutig in der künstlerischen Sprache. Max Grote hatte sein erstes eigenes Atelier im Potsdamer Rechenzentrum. Der 23-Jährige studiert nun an der HFBK Hamburg bei Jorinde Voigt.

Echoes of Transformation

Werke von Lisa Krauß

Die Fotografin Lisa Krauß, auch bekannt unter ihren Künstlernamen Syndrolin, lädt in eine experimentelle Fotoausstellung ein, in der sich Realität und Vorstellung berühren. Ihre Werke erkunden Übergänge zwischen Licht und Dunkelheit, Körper und Abstraktion, Form und Material.

20 Seconds

Silvia Remigio, Konzept, Tanz, Choreografie & Sound
Sabine Chwalisz, Mentorin
Marvin Müller, technische Unterstützung
Baldemar Bottini, Kamera
Manuel Exposito, Schnitt

The Art of Life and Death

Claire F. Crescini, Choreografie und Tanz
Letizia Bigatton, Voiceover
Annika Stadler, Dramaturgie
Sabine Chwalisz, Mentorin
Samaquias Lorta, Tonbearbeitung
Benjamin Mélot, Außenperspektive

Tanz & Performance

The Art of Life and Death von Claire F. Crescini und 20 Seconds von Silvia Remigio sind Tanzsoli, in denen der weibliche Körper zum Ort von Erinnerung, Widerstand und Verwandlung wird – ein Aufbegehren gegen die Grenzen, die Körpern auferlegt werden und ein poetisches Erinnern an ihre kraftvolle, sinnliche Lebendigkeit.

Claire Crescini erforscht die Zartheit und Kraft des Körpers, seine Verbindung zur Natur und das Verlangen, das es zu entdecken gilt – ein Tanz zwischen Atem und Gewicht, zwischen Verschwinden und Erwachen. Silvia Remigio stellt den Körper ins Spannungsfeld zwischen Gewalt und Gesetz und dem Aufbegehren gegen gesellschaftliche Macht. Stimme und Text benennen die Verletzungen, die laut werden und nicht mehr verstummen. Die Stücke durchdringen das Schweigen, sie brechen es durch Bewegung, Klang und Stille. Zwischen Lust und Schmerz, Scham und Selbstbehauptung entsteht ein Raum der Befreiung.

Anschließend: Publikumsgespräch

Nina Bauer, Gesang & Gitarre

Konzert: Indie-Pop, Folk

Nina Bauer ist eine unabhängige Singer-Songwriterin aus Potsdam, deren Musik zwischen Indie-Pop und Folk schwebt – ehrlich, sanft und berührend.

Mit ihrer warmen Stimme und poetischen Texten fängt sie das Leben zwischen Traum und Wirklichkeit ein. Nach ihrer EP Summer Breeze (2023) arbeitet sie nun an ihrem Debütalbum.

Live begeistert sie mit Nähe, Gefühl und einer besonderen Intimität, die unter die Haut geht.

Johanna Ackva & Laura Gary, Konzept, Choreografie & Performance
Yuko Matsuyama, Komposition & Performance
Odile Seitz-Walser, Outside Eye & dramaturgische Beratung
Martin Sieweke, Kostüm & Szenografie

explore dance – Tanz für junges Publikum (3+)

In Ritournelles dreht sich alles um das Kreisen. Tanzend, summend und singend spannen drei Performerinnen mit ihren Körpern und Kostümen einen magischen Kreis. In diesem Kreis erfinden sie neue Worte, Rhythmen und Bewegungen. Mal wird ihr Kreis riesengroß, mal winzig klein, mal nimmt er die Form einer Höhle an. Die Performerinnen experimentieren, sind überrascht oder scheitern auch mal – und schaffen so einen Zauber, der kleinen und großen ZuschauerInnen Mut macht und Lust auf Abenteuer weckt!

The Maze Cab:
Katharina und Gernot, Gesang
u.a.

Konzert: Post-punk & new wave

The Maze Cab ist eine vier-köpfige Post-Punk-Band aus Berlin und Potsdam. Hypnotisch grinsende Gitarrenriffs und energetisch treibende Krautrock-Beats verzahnen sich mit permanent verzerrten Basslinien. Dominiert wird dieser kontrollierte Flächenbrand von den abwechselnden, zum Teil zweistimmigen Gesangslinien von Katharina und Gernot – der perfekte Mix zum Mitgehen und Abdrehen. Liebe und Revolte und die allseits bekannten menschlichen Abgründe, das moderne Leben, das autobiographische... das alles sind Themen der meist metaphorisch geschriebenen Texte von The Maze Cab. In gewissem Sinne ein Spiegelbild ihrer Musik: die Grenzen der üblichen Genres sind fließend. The Maze Cab erschaffen weiterhin ihre eigene Welt.

Eintritt frei

Anna Nowicka, Choreografie
Julek Kreutzer, Kreation und Tanz
Jasmine Guffond, Musik & Sound
Lee Méir, Kostüm und Bühnenbild
Annika Stadler, Produktionsdramaturgie
u.a.

Tanz für Junges Publikum (5+)

Die Unterwelt lädt in eine Welt ein, die sich unter einem Tisch entfaltet: eine Traumwelt, in der sich Räume und Körper verwandeln und große Veränderungen offenbaren können. Mit Fantasie und Lust auf Bewegung begibt sich das Ensemble zusammen mit dem Publikum auf eine Reise durch Licht und Dunkelheit, überschreitet Grenzen und lädt zum Träumen ein. Denn nur gemeinsam und mit viel Mut und Vorstellungskraft können wir es schaffen, unsere Ängste zu überwinden und neue Welten zu entdecken.

Die Unterwelt ist die erste Produktion für junges Publikum der Choreografin Anna Nowicka, in der sie ihre tänzerische Arbeit mit ihrer Forschung zu Träumen verbindet.

Anschließend: Familienworkshop mit Anna Nowicka

Öffnungszeiten: Do 19.02.–So 01.03. | Mi–So, 13:00–18:00
Digitale Perspektiven | Current Works: mit Werken von Maja Dierich-Hoche, Mariam Rafehi, Bruno Ridderbusch, Tim Roeloffs, Andreas Schiller, Mark Straeck, Niklas Washausen und Simone Westphals

Diese Ausstellung denkt Kunst als Ort der Grenzarbeit – als Interface zwischen Subversion und Entwurf, zwischen Widerstand und Imagination. B3Y0ND 7H3 FR4M3 lädt dazu ein, verschobene Perspektiven einzunehmen und die eigene Position im digital wie politisch fragmentierten Raum neu zu verorten.

Eintritt frei