Potsdamer Tanztage

Mit Ever So Slightly begibt sich Victor Quijada mit zehn Tänzer*innen in eine rohe post-industrielle Welt. Die Bühne ist kahl. Auf einem Podest dominieren die Musiker das Geschehen, das erstmal ruhig und harmonisch beginnt, aber nach und nach aus den Fugen gerät. Quijada kombiniert Feingefühl und Finesse mit brachialen, explosionsartigen Bewegungen, um die Energie der Dringlichkeit, der Revolte und der Flucht vor der Gefahr einzufangen. Sichtbar werden Reflexe und Strategien, die entstehen, um Aggressionen und ständigen Reizen zu begegnen. Die volatile Stimmung zwischen Harmonie und Chaos wird nicht zuletzt von der Klanglandschaft der Musiker getragen, die genauso schnell und vielfältig im Dialog mit dem Tanz provozieren und beschwichtigen. Schon 2017 haben Victor Quijada und RUBBERBAND mit Vic’s Mix das Publikum der Potsdamer Tanztage mitgerissen. Die besondere Bewegungssprache der kanadischen Company – eine virtuose Balance der Kräfte, gespickt mit Hip-Hop, Capoeira und Kampfkunst – macht seine Stücke einzigartig. Ebenso Ever So Slightly, das die Impulse des „ganz Leichten“ großartig zu nutzen weiß.

In der Wahrnehmung der afro-indigenen Welt sind die «encantados» beseelte mystische Wesen, durch ihren Aufenthalt verwandeln sie Orte, so dass diese heilig sind. Man sagt, dass sie den Himmel und die Erde verbinden. In der neuesten Produktion von Lia Rodrigues bewegen sich zehn Tänzer*innen in einem Meer aus bunten gemusterten Stoffen. Formen, Figuren, grinsende Gesichter erscheinen und verschwinden in einem meditativen, skulpturalen Versteckspiel. Sie tauchen auf, wachsen, verwandeln sich in der Art der «encantados» und vermitteln vielfältige Freuden. Ein beseelendes Stück, das von Gesang und Percussion-Rhythmen wie ein Ritual bestimmt wird und, das das Publikum in eine «verzauberte» Welt mitnimmt, in der sich Magie mit der Realität vermischt.

»Psychische Krankheiten stammen nicht vom Menschen, sondern sind ein Spiegelbild der Gesellschaft und der Zivilisation«. Die Arbeit der palästinensischen Tänzerin und Choreografin Sahar Damoni macht sich das Zitat Sigmund Freuds zu eigen und thematisiert kulturelle und politische Unterdrückung verschiedener Art. In »Eat Banana & Drink Pills« bringt Sahar Damoni ein Tabuthema auf die Bühne: die Abtreibung unter alleinstehenden arabischen Frauen. Sie analysiert die Auswirkungen dieser Entscheidung und die damit verbundene Stigmatisierung, Traumatisierung und soziale Gewalt. Dieses körperlich intensive Solo wurde 2022 uraufgeführt und vom Publikum mit großem Erfolg aufgenommen. In Potsdam wird das Stück zum ersten Mal in Europa präsentiert.

In the frame of their residency, Stephanie Kayal and Abed Kobeissy are launching the process of creating their second collaboration; “Galactic Crush” (working title).

Following the life-changing traumatic events that took place in the summer of 2020 in Beirut, an event that changed their lives irrevocably, this creation is an almost-selfish and sort-of-childish attempt to feed an uncontrollable craving for vengeance. It gazes at the act of dancing as a martial-art, as a form of resistance against countless physical, psychological, and human-rights violations, against the violent loss of intimacy, and the scorching thirst for justice.

Soon, the dancer anti-hero, and the musician, her logistical-support side-kick, will form a cheaply equipped and loosely organized crime-fighting power-couple, with good intentions, and no experience whatsoever; a good summary of the contemporary reality in Beirut.

Stephanie and Abed open their studio after their first phase of work and share the first stadium of their piece. The spectators are invited to share their thoughts and feedback in a discussion.

37 Stunden und 3 Minuten – die Zeit, die man braucht, um Anna Karenina von Lew Tolstoi zu lesen… «Sehr empfehlenswert», meint gleich eine der drei Personen auf der fast leeren Bühne, inmitten von kleinen Holzstämmen. Mit ihrem typischen trockenen Humor entfaltet Gunilla Heilborn eine subtile Hommage an den großen Schriftsteller – aber nicht nur. Sie wirft Fragen auf, die im 19ten Jahrhundert und unbestritten noch heute relevant sind: der Platz in der Gesellschaft, die Moral, der technischen Fortschritt und die politische Entwicklung. Erschütternd ist die Aktualität der Themen Tolstois, insbesondere in Bezug auf die Beziehungen zwischen Russland und dem Westen Europas… «Wenn die Welt sich direkt artikulieren könnte, würde sie wie Tolstoi schreiben» sagt eine Performerin und zeigt damit, wie allumfassend seine Werke sind. 37 Hours and 3 Minutes ist zugleich ein poetisches, verspieltes und tiefgehendes Stück, über einen Giganten der Weltliteratur und über den Spiegel, den er uns weiterhin vorhält.

Painting in 3D ist ein Musikprojekt in Form eines experimentellen 3D-Erlebnisses. Fünf Klangwelten entsprechen fünf digitalen Räumen, die interaktiv erlebbar sind. Als Hybrid zwischen musikalischem Livekonzert, Vinyl Album und digitaler Erlebniswelt ist es gleichzeitig der Versuch, Konventionen der Präsentation von Musikalben durch ein neuartiges Format aufzubrechen. Theresa Stroetges (Golden Diskó Ship, Soft Grid, Hotel Kali), Christian Hohenbild (Soft Grid, personen (4)) und Sophia Trollmann vermischen auf innovative Weise Elemente verschiedener Musikgenres wie Noise, Jazz, Kraut, Experimental und elektronischem Pop. Ihr Debütalbum »Painting Is Dead« auf dem Label »Antime« umfasst fünf Stücke, die eine Tür hin zu digitalen Räumen eröffnen, welche das Publikum über die Länge der Songs hinweg erkunden kann.

MOUVEMENTS ist eine Begegnung zwischen Robert Schad und Isabelle Schad, deren Arbeiten um und mit Skulptur und Tanz, Präsenz und Material, sowie den beiden Performern Przemek Kaminski und Nir Vidan. Die Skulpturen Robert Schads treffen auf Isabelle Schads Double Portrait. Sie scheinen trotz konstruktiver Starre in Bewegung, trotz physischer Schwere vom Boden abheben zu wollen. Demgegenüber entfaltet sich die körperliche Bewegung des Tänzers, der die Starre auflöst, auf Bewegungsimpulse der Skulpturen reagiert und sie an den Raum weitergibt. In Double Portrait finden die beiden Tänzer ihre Verlängerung im anderen. In wechselnden Interdependenzen entsteht ein gemeinsamer Raum, der Selbst und Fremdsein, Intimität und Fürsorge, kollidierende Kräfte und Sinnlichkeit in sich vereint. Fragmente dieser Arbeit werden nun erstmalig in Resonanz zu den Skulpturen von Robert Schad stehen und dabei neu geformt und in einer Durational Installation erfahrbar gemacht. Robert Schads Skulpturen und die Tänzer vereint die Entwicklung ihres Ausdrucks durch das Spiel ihrer Glieder im Raum.

MOUVEMENTS bildet den Auftakt einer Kooperation zwischen der fabrik Potsdam und dem Kunstverein KunstHaus Potsdam im Jahr 2022, die das Zusammentreffen von zeitgenössischem Tanz und Gegenwartskunst zu ihrem Ausgangspunkt macht. Im Rahmen dieser Kollaboration werden im Sommer / Herbst 2022 weitere Residenzkünstler:innen der fabrik in den Ausstellungen des KunstHaus Potsdam zu Gast sein.

Straßenatmosphäre, Feste, Konflikte, Kostüme, Farben, Rhythmen... Re:INCARNATION ist ein sprudelnder Spiegel der Jugend von Lagos, durchdrungen von urbanen Tänzen wie Afrobeats, Dancehall, Hip-Hop und Funky House. In leuchtenden Farben gekleidet, bieten die zehn Tänzer:innen in verschiedenen Bildern eine ausgelassene Erkundung der Lebensphasen – von der Geburt über den Tod bis hin zur Wiedergeburt. Entnommen aus der Yoruba-Philosophie, dem ethnischen Hintergrund des nigerianischen Choreografen Qudus Onikeku, beleben diese Zyklen das Körpergedächtnis wieder und feiern Afrikas Fähigkeit, sich in einer kollektiven Wiedergeburt neu zu erfinden. Dieses Stück ist geprägt von einer starken musikalischen Präsenz mit mystischen Klängen, aber auch von Stille und Gesang, die zusammen eine einzigartige Atmosphäre bilden. Es lädt dazu ein, einen starken emotionalen Weg zu beschreiten, der zwischen großer Freude und Traurigkeit pendelt. Ein überraschendes Stück, reich an Traditionen und Modernität!

Jeden Tag, wenn der richtige Moment gekommen ist, schließt Libelle ihre Augen, erfindet ihre eigene Sprache und erzählt uns ihre Fantasiegeschichte... In dieser Performance, die teils Tanzshow, teils Musikkonzert ist, spielen Libelle und ihre Freund:innen mit Worten und Rhythmen, mischen den Klang ihrer Stimmen und Trommeln und verschmelzen sie zu Liedern und Bewegungen. Zu elektronischen und akustischen Klängen verwandeln sie sich gemeinsam in bunte, mysteriöse Wesen.

Ein Trio mit unterschiedlichen Hintergründen würdigt die Figur des Arbeiters ­– die Geste des Handwerkers verwandelt sich in einen tiefgründigen Tanz... In I Listen (You) See setzt Hamdi Dridi seine Forschung über den Körper bei der Arbeit und die sich wiederholenden Bewegungen, die erschöpfen und zermürben, fort. Stimmen, Diskussionen und Gesänge dringen auf die Bühne und korrumpieren erneut die Bewegung, die es zu machen und zu perfektionieren gilt. Der Raum ist vom Licht durchwoben, stellenweise von Lichtkreisen bedeckt und von Baumaterial und Klangräumen umgeben. Ein großer Lautsprecher hängt von der Decke, schwebend, wird von den Tänzern gefährlich manipuliert und schafft einen hypnotischen Zyklus von visuellen und akustischen Bildern. Hamdi Dridi vereint Schritt für Schritt Publikum und Tänzer in der Bewegung und in der Emotion, und bietet eine intensive physische Hymne auf die Körperlichkeit des Schaffens, den Atem und das Leben.

Nackte Körper, tierische Energie, unmittelbare Gefühlszustände – Daina Ashbee inszeniert in ihrem ersten Gruppenstück eine menschliche Herde, die zwischen intensiver Körperlichkeit und berührender Zärtlichkeit oszilliert. Die Nacktheit entblößt die Spannung der Muskeln, aber auch Verletzlichkeit, Offenheit und Veränderung. Ausgangspunkt ist die Erforschung einer Empfindung: die tröstliche Umarmung eines Hundes, mit den Gefährten heulen, eintauchen in hundeartige Körperzustände. Es entwickelt sich zugleich ein Ritual des Zusammenlebens und der Entgrenzung, vergänglich, flüchtig – ein Raum, in dem sich Wesen und Dinge ständig verändern können. Daina Ashbee hat bereits mit ihren Stücken Unrelated und Serpentine das Publikum der Potsdamer Tanztage fasziniert. Mit nüchterner Präzision offenbart sie ihr unverkennbares Markenzeichen: die stille Poesie der Explosion und die Macht der Trance.

Générations ist das zweite Stück von Fabrice Ramalingom, in dem sich bereits zwei Männer aus verschiedenen Generationen gegenüber stehen. Sein Wunsch ist es, die Frage der Beziehungen zwischen den unterschiedlichen Altern zu vertiefen. Oft handelt es sich um einen Kampf, bei dem die beiden Charaktere gegeneinander antreten: Wissen, Erfahrung und Majestät für den einen, Dynamik, Unschuld und Explosion für den anderen. Die Konfrontation ist hier friedlicher; die beiden Tänzer geben ihr Bestes, indem sie versuchen, den Anderen zu berühren. Es gibt «zwischen» diesen beiden Körpern einen dritten, unsichtbaren Körper: den des Choreografen. Er stellt die Verbindung zwischen den beiden her. Er muss seinen Platz finden, ohne präsent zu sein. Mit Générations hinterfragt Fabrice Ramalingom den Lauf der Zeit: Wie kann man mit dem leben, was man ist, nicht mehr ist und noch nicht ist?

Ein Pflanzenvorhang und ein Felsen schmücken die Bühne. Vögel zwitschern, Wasser plätschert. Zwei Tänzerinnen und ein Tänzer bevölkern diesen nächtlichen Garten. Ihre grazilen und hüpfenden Bewegungen erinnern an Faune. Aber das Bild verwandelt sich, Farbpunkte beflecken die Körper und schminken die Gesichter, markieren sie mit einer rituellen Handschrift, während der Rhythmus und die Intensität des Tanzes eine vibrierende und malerische Atmosphäre erzwingen. Die Gesten werden nach und nach kommunikativ, die Körper sprechen, die Stimmen plustern sich auf und antworten einander – ein Leben in der Gruppe, Spiel, Schöpfung und Zerstörung. La Nuit, nos Autres beschwört die Kraft des kollektiven Körpers herauf, der sich in seiner Intimität feiert, sich verklärt, befreit und seine eigene Fiktion webt: ein «Wesen im Werden». Ein magnetischer und meditativer Mikrokosmos, der der Poesie des Lebens huldigt.

Dunkle Kleidung, weißer Raum – Mia Habib steht regungslos in einer Ecke. Plötzlich trifft sie die Bewegung wie ein Blitz, zwingt sie auf den Boden und verlässt sie wieder. Dieses fesselnde und zugleich obsessive Solo entwickelt sich im Rhythmus der inneren Reise und der Dämonen der Tänzerin. Die Geschichte dieses Stücks wurde zu einem entscheidenden Teil des Werks selbst. Es wurde in einer Kirche, in einem besetzten Haus, vor PKK-Kämpfern im Irak, in Israel, in der Türkei, in Madagaskar usw. aufgeführt. Missing in Action stellt Bilder des Körpers als Terrorist, Fremder und Unterdrückter nebeneinander und präsentiert damit das menschliche Gesicht der Angst. Ergreifend zeigt Mia Habib auch die Pluralität des Körpers und der Identität, die weit mehr sind als die Summe der Ideen und Bilder, die sie darstellen sollen. 2005 uraufgeführt markierte das Solo den Beginn von Mia Habibs Karriere und war Thema mehrerer Vorträge und Veröffentlichungen.

Komfortrauschen ist eine Live-Techno-Band aus Berlin, die auf innovative Art und Weise mit traditionellen Instrumenten den kraftvollen harten Sound eines DJ-Sets erzeugt. Man stelle sich vor: eine Punkband gefangen in einem Drum-Computer, The Prodigy als Berghain-Resident, Richie Hawtin meets Rammstein. Die pure Ekstase und maschinelle Genauigkeit von Techno, angereichert mit der frischen Energie und Verspieltheit einer Live-Band. Seit der Bandgründung 2014 spielen Komfortrauschen regelmäßig in namhaften Clubs wie dem Sisyphos, der Kantine am Berghain und dem Kater Blau, auf unzähligen Festivals in Deutschland sowie in ganz Europa und darüber hinaus. Jetzt sind sie drauf und dran die ganze Welt zu erobern!

Inspiriert durch die Idee einer Sisyphos- Aufgabe als einer Tätigkeit, die ohne absehbares Ende immer wieder von vorn beginnt, macht happy sisyphos den antiken Mythos zum Ausgangspunkt eines absurden Kosmos. Drei Personen, eine Leiter, ein Ball und 13 Sitzkissen finden sich in Songs und rhythmischen Strukturen immer wieder neu zusammen. Ein kollektiver Körper entsteht, eine Maschinerie des Bauens, Erzählens, Singens… Tänze der Vergeblichkeit und der Wiederholung, die auch auf wundersame Weise Freude in sich bergen.

Viele verschiedene Töne, die zu einem großen Klangkörper werden. Es vibriert, brummt, ist kraftvoll und laut – und dann kommt der Drop. Das KAMA ORCHESTRA ist geplantes Chaos, das zum Tanzen beschwört. Es ist eine bunt gemischte Gruppe von Musiker:innen, die vor allem eins wollen: Zusammen grooven und Spaß haben. Die Gruppe ist gezielt divers besetzt und verschiedene Altersgruppen, Herkunft und Gender sind facettenreich vertreten. Hier entsteht ein Raum für Begegnung. Hauptmittel der Kommunikation ist die Musik. Aktuelle, sowie globale Klänge werden gemischt und so entsteht ein ganz eigener Sound. Die energiegeladene Tanzmusik wird vor allem durch die powervolle Brass Section erzeugt, die ordentlich Dampf macht und von einer treibenden Rhythm Section begleitet wird.

In COMETA lädt eine unerwartete Besucherin alle dazu ein, durch ihre Neugier und ihre Entdeckungen unsere unmittelbare Umgebung mit neuen Augen zu betrachten. COMETA ist ein galaktisches Abenteuer, bei dem sich das junge Publikum über die Schwerkraft, die Möglichkeiten der Bewegung und die Kraft der Empathie wundern kann. Es handelt von Geometrie, Verspieltheit, Lichtgeschwindigkeit, dem Universum, der Fantasie und der Reisen ins All. Vor allem aber ist es eine Party, um zu feiern, dass Groß und Klein sich begegnet sind!

Die alltägliche Sorge für andere schafft ein Gravitationszentrum und eine Umlaufbahn. Dieser Orbit sagt etwas darüber aus, wie wir uns durch Beziehungen entfalten. In Orbit vermischen sich die Grenzen zwischen dem Zusammen und dem Auseinander, dem Führen und dem Geführt-Werden, dem Festhalten und dem Loslassen, dem Innen und dem Außen in einer vieldeutigen Verschränkung. Ein Tanz entsteht aus dem, was dazwischen liegt, aus der Magie unvorhersehbarer Neuanordnungen und Zusammenfügungen.

Within seconds nimmt den plötzlichen oder vorhersehbaren Bruch in diversen Momenten des Lebens unter die Lupe. Dass das Leben aus Brüchen besteht ist klar, doch gibt es neben Schockstarre und Frust noch andere Reaktionen, die den Reaktionsspielraum des Körpers erweitern?

Die vierte Wand ist porös, die Sicht auf die Anderen liegt frei, und es öffnet sich ein Raum für eine gemeinsame Komposition aus Geräuschen und Bewegung. otherMess provoziert durch das gegenseitiges Zuhören menschliche Verbindung und offenbart unsere Verletzlichkeit als soziale Wesen.

Wie anwesend sind wir, wenn wir uns digital gegenüberstehen? Wie abwesend sind wir, wenn wir telefonieren? Posthuman Fragments verhandelt digital in real. Das Parkhaus wird zu einem Übersetzungs- und Verhandlungsraum, in dem Fragen von digital als Zwischen und der reale Raum des Parkhauses als Transitzone untersucht werden. Zwei Tänzerinnen und eine Musikerin verkörpern choreografisch Leiblichkeit im digitalen Zeitgeist.

Alle Objekte im Universum bestehen aus winzigen Teilchen, die sich ständig verändern. Während der Performance wird versucht, einen realen Moment der Veränderung einzufangen, während sie stattfindet, die Zeit zu dehnen und in eine andere Wahrnehmung einzutauchen. Es öffnet sich – während die Sonne untergeht – ein intensiver Blick auf die ständige Veränderung von Körpern und Umgebung.

pleasure_in_the_breaking führt das Publikum in einen Raum, eine Welt, die ein alltägliches Chaos zugleich aus künstlicher Distanz und aus mikrosko- pischer Nähe erfahrbar macht. Feine Linien ziehen sich zwischen scheinbarer Ordnung und kontinuier- licher Abweichung. Stabilität entsteht und zerfällt in einer ruhelosen Untersuchung des Flüchtigen. Das Stück lädt dazu ein, Teil dieses Raums aus Bewe- gung, Sound, Licht und Projektion zu werden und die eigene Erfahrung darin selbst mitzugestalten.