T-Werk Potsdam

Was für eine Baustelle! Nägel, Holz, Farben, Glas und Werkzeuge. Präzise, sich allmählich verselbstständigende Arbeitsabläufe, losgelöst von ihrer ursprünglichen Funktion. Technische Gesten als Quelle absurd-komischer Komplikationen; roh, unerbittlich, zwanghaft und exzessiv bis zum Delirium. Das scheinbar sinnlose Verlangen bizarrer Körper scheint der Montageanleitung eines Paralleluniversums zu entstammen und bewegt sich mit einem Hauch befreienden Wahnsinns zwischen ironischem Schamanismus, reinstem Surrealismus, dadaistischem Happening, Performance, Zirkus und Bildender Kunst.

Schattenräume, Lichtkorridore, zwei Schwestern. Beide scheinen alles verloren zu haben, außer ihren Erinnerungen. Darin suchen sie Zuflucht, imaginieren immer wieder die Bilder der Vergangenheit: Ihr adliges Elternhaus mit den vielen ausgestopften Tieren, den geschnitzten Möbeln, Zeremonien, dem zerbrochenen Spielzeug. All die Utopien und Träume erwachen zu neuem Leben. Gedächtnis, Vergänglichkeit, Zeitschleifen – jeder Moment wirkt wie ein Stillleben oder zeitgenössische Fotografie. Menschliche Körper, tierische Torsi, Bild, Bewegung und märchenhafte Elemente verbinden sich zu einer Art visuellem Gedicht.

In einer traumhaften Nacht erwachen Glas- und Kunststoffflaschen, Röhren, Metalldosen und Luftballons. Zusammen mit zwei Kompressoren und verschiedenen Mikrofonen sind sie die Protagonisten dieses luftbetriebenen Projekts. Sie atmen, pfeifen, röcheln, knacken. Sie sprechen und antworten einander auf eine äußerst musikalische Weise. «An unstable air» ist Klangmechanismus und Objekttheater gleichermaßen und inszeniert weggeworfene Dinge so, als wären sie in die Wildnis zurückgekehrt und lebten dort in ihrer eigenen Welt, in unerforschten Landschaften mit einem unheimlichen Echo.

5.-7. November

«Nettles» ist ein Hörerlebnis, ein In-sich-hinein-Hören. Eine Reise zwischen zwei Extremen: Kindheit und Tod. Sie führt in visuell-akustische Landschaften und wird zu einer Metapher für den persönlichen, inneren Weg des Bewusstseins und für ein zutiefst emotionales, menschliches Dasein. Mit Kopfhörern ausgestattet und von einer Stimme begleitet, werden die ZuschauerInnen einzeln auf den Weg durch einen Parcours geschickt, wo sie die subtilen Grenzen zwischen Traum und Wirklichkeit, Erinnerung und Betrachtung überschreiten und in den Zustand der kindlichen Unruhe und Verunsicherung zurückversetzt, den Tod als archetypische Dimension erleben.

Knochig, kantig, verdreht. Sich haltlos windend im Raum zwischen Lust und Schmerz, Erotik und Tod – Egon Schieles Bilder zeigen die existentielle Krise des Subjekts in Zeiten großer Umbrüche und exponieren auf voyeuristische Weise den menschlichen Körper in irritierenden Posen. Der Fokus hier ist der männliche Akt, der bei Schiele androgyn, selbstquälerisch und nicht selten Symbol für die Passion Christi in der Tradition mittelalterlicher Pietà-Darstellungen ist. Ferenc Fehér zitiert die anatomischen Verfremdungen und Fragmentierungen Schieles, die die Zersplitterung des Individuums zum Ausdruck bringen und setzt den Maler zwischen Märtyrer, Prophet und Erlöser bizarr in Szene.

Zwei Menschen. Die Köpfe von dicken Lehmschichten umhüllt. Lebendige Skulpturen, hybride Wesen, ineinander vergraben, miteinander verschmolzen. Sie durchbohren sich, sie verschmieren und verwischen die (Ge-)Schichten ihrer Gesichter; Identität entsteht dabei nur in Bezug auf den jeweils anderen. Ein expressives Spiel mit der Deformation, mit Elementen des Absurden, des Erotischen wie auch des Horrors gerät zum instinktiven Erleben von Körper und Material, zu einer Art Ritual zwischen Tanz und Trance, Malerei und Plastik.

Ein Tisch. Komplettes Chaos. Werkzeuge, Utensilien, Pinsel und Kartons. Mittendrin: Der Körper einer Puppe, der die Beine fehlen und, noch problematischer, der Kopf. Damit beginnen achtzehn verrückte Minuten einer einzigen Notlage: Wie und womit wird man komplett? Achtzehn Minuten, in denen die Figur gegen ihre Manipulatorinnen aufbegehrt und sie tyrannisiert, um ihr Schicksal selbst in die Hand zu nehmen. Ein erbitterter Kampf ums Überleben: schizophren, wild, trashig und mit einem Massaker aus zerfetztem Polystyrol und geschreddertem Karton am Ende.

Fremdartige Anatomien. Drei Körper sprengen mit ungewöhnlichen physischen Formen stereotype Körperbilder. Mal knochig, mal scheinbar wirbellos, verwandeln sie sich in Riesenvögel mit Flügelstummeln, in zappelnde Krebse, erschöpfte Insekten oder archaische Vierfüßler. Fremdkörper, unvertraut, unpassend, ungeschützt und immer mit Misstrauen und Ablehnung konfrontiert. Untermalt von einem live erzeugten, fast hypnotischen Sound aus Percussion und elektronischen Klanglandschaften entfaltet „Foreign body_trio“ das Bewegungs- und Ausdruckspotential einzelner Körperteile und hinterfragt dabei die Bedeutung und Wahrnehmung von Fremdheit in unserer Gesellschaft.

Echo of an End“ handelt vom Lärm der Welt, vom Lärm durch die Gesellschaft und dem Lärm in unserem Kopf. Vor allem aber davon, wie man ihn zum Verstummen bringen kann. Dies gelingt mit einem mechanischen Kabinett, bestehend aus zehn Apparaturen voller Poesie und Finesse: eine Maschine, die sich selbst den Stecker zieht, trifft auf einen Bagger, der sich selbst aufschaufelt. Wenn am Ende dann die letzten Sandkörner aus einem Trichter gerieselt sind, tritt das ein, wonach diese performative Installation auf der Suche war: ein Moment der Stille.

Schleifen, Ringe, Linien. Unbeherrschbare Bilderflut und ständige Metamorphosen. „Mit dem Feuer malen“ könnte das Motto von „As long as it burns“ lauten. Es bahnt sich seinen Weg und entzündet im wahrsten Sinne die Phantasie. Andrea Salustri untersucht die Natur des Feuers, seine Materialität in der „Epoche des verwalteten Lichts“ sowie unsere Beziehung zur Gefahr und zur Schönheit. Er transformiert dabei die Feuershow als gängiges Format des Straßentheaters in einen poetischen Akt über die Natur des Feuers.

Die Höhle: Ort der Mythen, Ahnen und Legenden, der Beschwörungen, der Zuflucht und der Angst. Magisches Universum und Treffpunkt mit dem eigenen Schatten. Inspiriert von Michael Endes „Spiegel im Spiegel“ und den surrealistischen Bildern seines Vaters, Edgar Ende, erzählen zwei Akteure mittels alter Objekte, unfertiger Puppen, Akrobatik und bitterem Humor vom Betreten imaginären, dunklen Terrains und dabei von der Archäologie zwischenmenschlicher Beziehungen. Die Performance kreist um den Verlust des Raum-Zeit-Kontinuums, um Grenzverwischungen der eigenen Existenz und letztlich darum, was Bewusstsein ist.

Immer wieder werden zwei TänzerInnen in ihrer Choreographie von einer Stimme unterbrochen, die das Publikum auffordert, während der Performance zu intervenieren, um das Spiel in Gang zu halten. „This work about the orange“ ist ein sozialpsychologisches Experiment voller Witz und Sinnlichkeit, das Tanz und Performance mit anthropologischer Forschung verbindet. Es fragt dabei einerseits nach dem Machtspiel zwischen DarstellerInnen und ZuschauerInnen. Andererseits legt es Fallen aus, um das Publikum auf subtile Weise mit den Mechanismen von Gier und Skrupellosigkeit zu konfrontieren und deutlich zu machen, dass selbst das Unterlassen eine aktive Geste ist.