T-Werk Potsdam

Eine weiße, quadratische Plattform, die über dem Boden zu schweben scheint; ein weicher Belag, eine Art abstraktes Gras. Kleine Türen lassen Objekte und Figuren erscheinen. Ein Voice-over, irgendwo zwischen Sportkommentator und Animator für Zaubertricks. Und zwei Akteure, die in diesen Bilderwelten als visuelles Double auftauchen, mit sich selbst interagieren und selbst Teil des Settings werden. Ein streng komponiertes Bildvokabular führt die ZuschauerInnen Schritt für Schritt in ein Universum aus Farbcodes, skurrilen Transformationen und komisch-verzerrten Bildern und somit durch die verschiedenen Ein- und Ausgänge der Realität.

Geboren in einem fremden Körper, verloren in einer Gesellschaft voller Vorurteile, Verachtung und Intoleranz. „Gritos“, ein szenisches Gedicht der Wandlungen und Kollisionen an der Grenze zwischen plastischer Kunst, animierten Objekten und Figuren, Theater und Tanz. Es zeigt den nichtbeachteten, den „unsichtbaren Menschen“ und rekonstruiert anhand dreier lyrisch-traumhafter, motivisch miteinander verwobener Geschichten das menschliche Dasein in seiner Absurdität, emotionalen Verletzlichkeit und Einsamkeit sowie seinem unbedingten Streben nach Liebe und Anerkennung gegen alle äußeren Widerstände.

Eine Fotokamera durchquert ein Miniaturmodell aus intimen und öffentlichen Orten. Die dabei eingefangenen Momente sind fortlaufend in Szene gesetzte Bilder, die lediglich Spuren vergangener menschlicher Aktivitäten zeigen; eine unerklärlich stille, verlassene Welt schlichter Interieurs. Ein rätselhaft visuelles Universum, das zwischen Realität und Science-Fiction oszilliert, in dem Vergangenheit und Gegenwart gleichzeitig existieren und wo persönliche Erinnerungen mit zeitgenössischer Bildkultur kollidieren. Als lebendige Szenografie ist „Bildraum“ ein begehbares Fotoalbum oder ein „Architektur-Spaziergang“ durch imaginäre Räume.

Wände wie aus Rohbeton. Ein Gewitter kündigt sich an, auf nassen Fahrbahnen rasen Autos, ein Hund bellt. Grelle und schwindende Lichtimpulse, Übergänge zwischen Tag und Nacht, Dämmerträume, Interferenzen. Eine Choreografie für das sterbende Licht. Die Schönheit erodiert – alles scheint zur Vergänglichkeit zu drängen. Mit seinen visuell-akustischen Erscheinungen und Transformationen rückt der architektonische Raum von „Twilight“ die Raum-Zeit-Wahrnehmung ins Zentrum. Der einzige menschliche Faktor ist das Publikum selbst, das im Wandel und meditativen Zusammenspiel metaphorischer Bilder seine Wirklichkeit kreiert.

Schieben, Kippen, Rollen und Drehen. Verkanten, Heben und Zerlegen – „Klavierstück“ ist ein Duett für einen Tänzer und ein Klavier, das all die Möglichkeiten dieser Beziehung, ihrer Grenzen und Abhängigkeiten erforscht. Ein tänzerischer Balanceakt aus fragmentarischen Szenen voller Anfänge und unerfüllter Erwartungen, bei dem das Klavierspiel buchstäblich zum Spiel mit dem Klavier wird. Dabei wird das wertvolle Alltags- und Statusobjekt in ein Kunstobjekt verwandelt und mittels einer entrückt wirkenden und virtuos-präzisen Nonsens-Choreografie sowie elektronischer Sounds am Ende als fragiles Bau-Kunst-Werk neu errichtet.

Inspiriert von Italo Calvinos Roman „Die unsichtbaren Städte“ bilden für „Invisible Lands“ die Geschichten Tausender von Vertriebenen den Hintergrund. Dafür wird der vertraute menschliche Körper zum verwundbaren, unbekannten Terrain. In seinen „Landschaften“ werden Miniaturfiguren platziert, in spezifische physische Positionen und Situationen gebracht und live gefilmt. Der Wechsel zwischen Kinderspiel und Live-Storytelling, zwischen Mikro- und Makroperspektive macht deutlich, dass Meinungen über Fluchtgeschichten immer eine Frage des Blickwinkels sind. Zugleich wird der Impuls, die eigene Haut retten zu müssen, buchstäblich in Szene gesetzt.

Drei Pilger haben schwer zu schleppen: gigantische Gobelins, Matratzen, ganze Schreibtische, Bügeleisenschuhe und glühende Pfannen. Mal sind sie Korbmacher, mal Zauberer, mal Krieger, mal Geisterseher oder gar die Inkarnation Gottes. Das Trio liebt heidnische Bräuche und das Volkstümliche ebenso wie das Alte Testament als unerschöpfliche Inspirationsquellen. Wunderheilungen, Birkenrituale, Opferdarbringungen – am Ende hallt der Ruf „Wir alle sind Kugeln!“ durchs weite Bühnenrund. Zwischen exotischer Zeremonie und dadaistischem Mysterienspiel suchen die drei ihr Heil und werden mit viel schwarzem Humor, Slapstick und einem magischen Ende tatsächlich fündig.

Wanubalé Wanubalé ist ein neunköpfiges Kollektiv, das eine unverwechselbare Mischung aus Stilen mit einer unvergleichlichen Energie auf die Bühne bringt. Jazz, Funk und Dub verbunden mit Einflüssen aus der modernen elektronischen Musik sorgen für eine explosive Mischung. Mit einer vierköpfigen „brass section“ und einer „rhythm section“ mit zwei Schlagzeugern überzeugen sie live mit raffinierten Beats, Improvisationen und wunderbaren Arrangements.

Es ist nicht leicht, anders zu sein! Mit Fred, der nur einen halben Meter großen, temperamentvollen Stoffpuppe, erwacht eine politisch völlig unkorrekte Figur zum Leben. Er möchte ein ganz normaler Kerl sein, der einen Job bekommt, ein Mädchen trifft. Stattdessen findet er sich in einer absurden Show wieder, in der sein Leben mehr und mehr außer Kontrolle gerät. Es droht ihm sogar der Verlust seiner PLE (Puppen-Lebens-Erlaubnis). Freds Abhängigkeit von denen, die ihn führen, wird zum Sinnbild für gesellschaftliche Zwänge, Vorurteile und Machtmissbrauch schlechthin. „Meet Fred“ ist eine scharfsinnig-subversive Gesellschaftssatire, deren Humor in tiefstem Schwarz erstrahlt.

Ein einzelner Körper im physischen und emotionalen Grenzbereich. Impulsiv, instinktiv, animalisch, unnachgiebig, zerbrechlich, extrem. Ein Körper, der sich durch die evolutionären Möglichkeiten navigiert und zeigt, dass das Überleben ein Triumph und ein Wunder ohnegleichen ist. Aber auch ein Körper, der sich einer Art Exorzismus unterzieht, um den umstrittenen Sinn, den alle Körper zugewiesen bekommen, auszutreiben. „Black Regent" verschmilzt mit geradezu frenetischer Intensität und Hingabe die Widersprüche und Verwerfungen der menschlichen Kreatur zu einem schwindelerregenden Solo zwischen Tanz, Improvisation und Ritual.

Eine quadratische Sitzanordnung. Alle ZuschauerInnen hören über Kopfhörer eine individuelle Spur, die gleichzeitig mit allen anderen synchronisiert ist. Eine lose Chronologie historischer Konstellationen erzählt von Momenten faschistischer Herrschaft, der Ästhetisierung von Politik und ihrer Subjektivierung. Aktuelle Entwicklungen vergegenwärtigend, umkreist sie die Frage, woher die Attraktivität autoritärer Fundamentalpolitik rührt. Was bewegt, steuert, manipuliert Gruppen oder Massen? Dabei wird das Publikum selbst zum zentralen Akteur eines „Radioballetts“, denn seine Reaktionen auf das Gehörte sind Teil einer kollektiven Dynamik, die in letzter Konsequenz auf die Straße führt.

Ein verlassenes Zimmer, sein Interieur verhüllt mit weißen Tüchern. Darunter verborgen seltsame Mechaniken und Maschinerien: ein rollstuhlfahrendes Cello mit Hilfsmotor könnte graziler und anmutiger kaum sein. Zu verschmitzt klappernden Zahnprothesen gongt schwer ein riesig-rostiges Kreissägeblatt. Ruhelos rotierende Tanzschuhe suchen nach Füßen, die passen. Dinge, Menschen und die gleichen Probleme: Beherrscht man sein Leben nicht mehr selbst, gerät man in Abhängigkeit. Vier Musiker stimmen mit einem Lobgesang des Eigensinns darauf ein, was kommen kann, und singen zugleich ein komisch-zärtliches und skurriles Memento mori.

Holler my Dear Infizierende Grooves, funkige Riffs, federnde Tunes, ohrwurm-taugliche Melodien und über allem die zwischen Soul, Pop und Jazz changierende Stimme von Laura Winkler. Mit ihrem Disco-Folk, vielfältig beeinflusst u. a. von Steely Dan, New-Orleans-Jazz, Musette und Balkan-Sounds, tanzt das internationale Sextett Holler my Dear fröhlich aus der Reihe und klingt dabei wie ein Soundtrack zum gut gelaunten Widerstand gegen den Strom der Zeit.

Was, wenn die Zeit kreisförmig vergeht und die Abläufe der Welt sich pedantisch und endlos wiederholen? Eine sechseckige Konstruktion, aus riesigen Wänden zu einem „Prisma der Träume“ arrangiert, überflutet geradezu mit expressiven Projektionen und Bilderserien den sie umgebenden Raum. „The Cycle“ ist gleichermaßen multimediale Performance und Rauminstallation, die Schauspiel mit Video- und Computeranimationen kombiniert und deren Thema das menschliche Unterbewusstsein ist. Albträume, Träume, Ängste und unterdrückte Wünsche. Jede Wand ein anderer Traum, eine andere Obsession, eine andere Angst, eine andere Lust.

Metamorphosen des Wassers: Fest, flüssig, gasförmig. Ein Solo für's Eis! Die Geschichte ist inspiriert durch den Roman „Oedipus on the road" des belgischen Schriftstellers Henry Bauchau. Der blinde Ödipus befindet sich auf Irrfahrt, begleitet von Antigone, seiner Tochter, seinem Licht. Sie führt den zerbrechlichen, alten Mann in Form einer Eispuppe, die allmählich schmilzt und verschwindet. Tropfen für Tropfen wird der verfluchte König zur Flüchtigkeits- und Vergänglichkeitsfigur; die Kraft physikalischer Umwandlungen wird zu einem Wechselspiel zwischen An- und Abwesenheit und erschafft mit grausamer Schönheit einen mythischen Charakter.

Tanga Elektra Mit ihrem unverwechselbaren Mix aus Neo-Soul, Elektro und Funk-Elementen bewegt sich Tanga Elektra gekonnt zwischen sehr gegensätzlichen Polen: Im Ergebnis entsteht ein äußerst tanzbarer Mix jenseits aller Genregrenzen. Dabei grenzt es fast schon an ein Wunder, dass dieser vielschichtige Sound von nur zwei Musikern erschaffen wird. Dank einer Loopstation entsteht so mit Schlagzeug, Violine, Gesang und Elektronik auf der Bühne die Illusion einer vielköpfigen Band.

DJ Katjuscha